PSYCHÉS
 
Dans cette série de tableaux à l’acrylique sur toile de moyens à grands formats débutée en 2017, j’aborde chaque œuvre de trois manières ou approches physiologiques que je veux complémentaires. La superposition additive des trois états d’esprit issus de ce choix me permet d’explorer différentes formes d’intelligence imaginaire tout en cherchant à les harmoniser dans des œuvres cohérentes et expressives.
 
La série provient d’un projet de tableau autour du thème « La jeune fille et la mort » qui, lui-même, découle du mythe grec de Perséphone.
 
Dans cette recherche picturale sont apparues des ombres qui m’ont frappé par leur puissance d’évocation. Ces ombres, par leur noirceur, évoquent aussi le vide et le silence : choses que nous rencontrons trop peu souvent et qui sont source de toutes créations. Puis, à répéter ce motif et à tenter d’en faire surgir plus de sens, il m’a semblé qu’un élément plus subtil enrichirait la lecture des tableaux : d’autant plus que cette triple approche fait profondément sens pour moi.
 
La première étape consiste à placer le tableau sur le sol et à travailler sa surface sans planification tout comme les artistes de l’action painting, de l’automatisme ou encore de l’abstraction lyrique. Cette première étape générant une surface colorée suggérant un espace lumineux, je viens ensuite y inscrire une silhouette noire généralement de forme humaine telle une ombre offrant au spectateur la possibilité d’une double lecture. L‘étape ultime consiste à tracer et à peindre sur le plan coloré un graphe abstrait se développant souvent telle une fractale.
 
Pourquoi une telle démarche? D’où provient-elle? Quel en est le sens aujourd’hui?
 
Au 19e siècle, tout en libérant la peinture du réalisme représentatif, la photographie a aussi plongé cet art dans un questionnement sur sa fonction. La maîtrise de la couleur en photographie étant à ses balbutiements, les peintres se sont précipités dans cet exploration en utilisant la nature comme modèle. La perte d’attrait du motif paysagé et l’évolution technique de la pellicule photographique poussèrent les peintres vers de nouvelles recherches pouvant leur être spécifiques. Un nombre sans cesse croissant d’avenues furent explorées par les artistes au cours du 20e siècle. Cela donna lieu à une nouvelle conception de l’art pictural qui le définit comme un champ d’exploration devant sans cesse s’ouvrir sur l’inattendu. Se libérer des contraintes de tous ordres fut le mot d’ordre de certains peintres, tandis que d’autres se créaient un nouveau cadre de contraintes se voulant spécifiques à leur domaine de recherche. Même la pensée créatrice la plus libre et la plus sauvage fut, éventuellement, contrainte à définir son champ et à s’y restreindre. Comme, aujourd’hui, l’utilisation de pigments colorés et de la toile apprêtée apparaît comme une limitation et qu’un nombre croissant d’outils alternatifs liés aux développements technologiques sont accessibles à qui veut créer des images : le terme d’artiste peintre s’est modifié en artiste visuel. Cette évolution intègre même l’agent provocateur qu’a été la photographie dans la palette instrumentale du créateur pictural.
 
Dans cette quête de liberté créatrice et cette recherche de sens du 20e siècle, l’action painting et ses dérivés représentent la quête d’une voie libérée du mental qui tente de faire appel à l’intelligence du corps en court-circuitant les jugements qui sont le fruit du conditionnement intellectuel. Même si l’on ne peut nier que des choix d’ordre esthétique, donc mentaux, affectent le processus : celui-ci permet de connecter davantage l’attention du créateur sur la chorégraphie générée par son propre corps et donc de relâcher le contrôle mental dans le processus de création. Cela a pour effet de provoquer l’inattendu et d’ouvrir de nouvelles portes à l’imaginaire. Pour le moins, cela situe la proposition picturale dans le monde du mystère, du rêve et des symboles à décoder.
 
L’introduction de figures d’ombre dans ces univers oniriques en accentue le mystère tout en créant des référents spatiaux pour le spectateur. On ne sait plus si l’on partage une expérience avec ces figures ou si l’on est confronté par elles. Elles participent de l’expérience tout en semblant lui faire obstacle. En fait, elles en sont la source et la finalité. Ces figures noires aspirent notre regard tout en évoquant le vide infini qui nous habite et d’où tout surgit. De plus, comme je considère chaque œuvre d’art comme un miroir de l’état d’esprit de son créateur au moment de la réalisation de celle-ci : je tiens à rappeler au spectateur qu’un être humain se confie à lui à travers l’objet observé. L’Art est et a toujours été un révélateur de la psyché humaine et de son évolution.
 
Vient ensuite l’apposition de graphes sur l’ensemble qui, métaphoriquement, veulent exprimer la logique interne de ces constructions dramatiques. Telles une équation mathématique ou une formule algébrique, ces graphes voudraient rendre lisibles, sinon compréhensibles, le mystère et la beauté de l’interrelation des éléments particuliers du tableau autant que leurs liens avec les différents niveaux de complexité de notre psyché collective. Ces graphes sont réalisés au pinceau à la manière et dans l’esprit d’un moine enlumineur du Moyen-âge assis au scriptorium et plongé dans une méditation lui donnant l’impression de participer au Mystère divin.
 
Trois couches de sens sont exprimées de manières différentes pour témoigner de la complexité de l’âme humaine. Trois niveaux de signification cherchant à révéler mon sentiment de révérence face au mystère qu’est la Vie. Trois strates émotionnelles se mariant pour tracer un portrait forcément parcellaire de notre place dans l’univers.
 

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Une explosion de vie qui m'a apporté beaucoup de joie. En même temps, je suis surpris de la tournure que prennent les choses. Je croyais que les composantes de mes tableaux allaient rester relativement fixes pour un moment. Mais, toujours, un élément de surprise vient bousculer l'idée que je me faisais et transforme l'oeuvre en cours. C'est, finalement, très réjouissant.

Je me suis attaché à la représentation de figures humaines dans mes tableaux parce qu'une oeuvre exprime toujours l'état d'être de son créateur au moment de sa création et que c'est une façon efficace de le rappeler. En même temps, l'oeuvre témoigne de notre rapport au monde et du sentiment que cela nous inspire.

Face au tableau, le spectateur constate immédiatement que l'oeuvre a été réalisée par étapes successives qui s'additionnent comme des couches de sens. Chacune des étapes exprime une attitude physique et psychologique différente. Je débute le tableau dans une grande liberté expressive faite de spontanéité qui génère un univers coloré où, d'une façon plus contrôlée, je viens inscrire une ou des formes généralement humaines. Enfin, m'installant comme un moine enlumineur au scriptorium, j'élabore une construction graphique venant se superposer à l'ensemble pour en enrichir le sens.

Ces différentes étapes de mon mode de création actuel méritent, me semble-t-il, de plus amples explications. De même, le choix que je fais de créer cet espace où flotte des signes en se superposant invite à la réflexion. J'y reviendrai bientôt dans un autre article.

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